Aux yeux de beaucoup, les années 1970 sont la plus grande décennie de l’histoire du cinéma. C’était l’époque du Nouvel Hollywood, du blockbuster moderne, une époque où le public prenait le cinéma au sérieux et où les réalisateurs repoussaient les limites de ce qui était possible.
Le résultat a été une abondance de classiques, dont les meilleurs invitent à les revoir sans fin. Dans cet esprit, cette liste classe les films de cette époque ayant le plus de valeur de revision. Ils couvrent un large éventail de genres et de tons, des drames sportifs et comédies dégoûtantes aux voyages nostalgiques et à l’horreur de science-fiction.
1970 – « M*A*S*H »
“Mon Dieu, aux chirurgiens. Coupez bien !” Avant la longue émission télévisée, il y avait ce pétard de film réalisé par Robert Altman. C’est une comédie anti-guerre irrévérencieuse, chaotique et profondément humaine. Donald Sutherland et Elliott Gould se frayent un chemin à travers la guerre de Corée avec un ton si lâche qu’il frise l’improvisation. Pourtant, derrière les détours, il y a beaucoup d’émotion et même de douleur. Certaines scènes semblent carrément sadiques, même si elles sont jouées pour rire. M*A*S*H comprend que la comédie est parfois la seule réponse sensée à la folie.
L’humour est anarchique, les personnages magnifiquement imparfaits et le ton oscille sans effort entre les farces juvéniles et la mélancolie philosophique. Au cours d’une décennie qui nous a donné de nombreux films sur les systèmes qui brisent les gens, ÉCRASER se démarque en riant face à la machinerefusant d’accorder à la guerre la solennité qu’elle exige. Le revoir révèle des couches de satire que les comédies de guerre modernes poursuivent encore mais capturent rarement.
1971 — « Willy Wonka et la chocolaterie »
“Nous sommes les créateurs de musique… et nous sommes les rêveurs de rêves.” Willy Wonka et la chocolaterie est l’un de ces films qui semble vraiment plus grand que nature, ressemblant plus à un rêve partagé qu’à un film typique. Une grande partie de sa magie vient de Gène Wilderqui livre une performance brillante et enchanteresse dans le rôle du chocolatier titulaire. Il incarne Wonka à la fois en tant que filou et philosophe, fantaisiste en surface mais recelant un côté sombre. Le scintillement de ses yeux oscille entre la gentillesse et la folie.
Son entrée emblématique (canne trébuchante, puis saut périlleux) reste l’une des grandes révélations de personnages du cinéma, nous racontant tout sans un mot. L’ensemble du film regorge de visuels saisissants et de décors mémorables, notamment la rivière Chocolate, le tunnel psychédélique et les refrains étrangement accrocheurs d’Oompa-Loompa. Cela dit, l’extérieur brillant et sucré du film cache une fable morale sournoisecelui qui récompense les adultes autant que les enfants.
1972 — « Le Parrain »
“Je vais lui faire une offre qu’il ne pourra pas refuser.” La revoyabilité vient généralement du confort, mais parfois de la grandeur. Le parrain est une épopée hypnotique qui s’enrichit à chaque visionnage, ses couches se déroulant comme un opéra tragique. Marlon Brando, Al Pacinoet Diane Keaton tous réalisent des performances phénoménales, relevant le défi de Coppola’Le scénario qui tue. L’éclat du film ne réside pas seulement dans les moments emblématiques (la tête de cheval, le montage du baptême, le tournage du restaurant) mais dans les pauses tranquilles, les regards, la peur inexprimée.
Regarder la lente descente de Michael Corleone ne perd jamais de puissance. Son histoire est archétypale mais pleinement humaine et compréhensible, celle d’un héros de guerre qui descend de la falaise morale au nom de l’amour, pour ne jamais regarder en arrière. Les ambitions de Coppola étaient vertigineuses lorsqu’il a réalisé le film, et d’une manière ou d’une autre, le résultat final a probablement dépassé ce qu’il visait. Il domine pratiquement les autres films policiers de son époque.
1973 — « Graffiti américain »
“Où étais-tu en 62 ?” Avant d’emmener le public dans une galaxie très lointaine, Georges Lucas les a emmenés dans un passé récent, une époque plus simple qui semblait bien éloignée du cynisme du début des années 70. Graffitis américains se déroule une seule nuit d’été en 1962, alors que l’avenir était inconnu, que la radio était toujours allumée et que tout semblait possible. Le tout ressemble à un souvenir en mouvement, tout en optimisme, en hot rods et en désirs adolescents. C’est une remarquable capsule temporelle.
La bande originale mérite à elle seule d’être revisitée, une collection de bangers des années 60, un battement de cœur de juke-box pour l’adolescence à la dérive. Le tout est chaleureux et flou de la meilleure des manières. Mais derrière ce plaisir se cache une vérité douce-amère : l’innocence est temporaire et la liberté n’existe vraiment qu’avant que la vie ne commence à faire des choix à votre place. Si vous n’avez jamais conduit nulle part avec des gens que vous aimiez simplement parce que vous le pouviez, ce film est une lettre d’amour pour vous..
1974 — « Selles flamboyantes »
“Excusez-moi pendant que je sors ça.” Selles flamboyantes a réécrit le livre de règles sur la comédie, puis a mis le feu au livre de règles, puis a frappé les cendres au visage. Mel Brooks livre un message occidental si intrépide et absurde qu’il fait encore rire le public moderne. Chaque scène regorge de chaos citables, de gags visuels et de satire plus pointue qu’un éperon, le tout maintenu par la chimie entre Gene Wilder et Cleavon Petit.
Le film est joyeusement juvénile et intelligent à la fois.prenant une véritable boule de démolition contre les attitudes racistes et contre le quatrième mur. Bien sûr, tous les gags n’ont pas bien vieilli, et il y a quelques angles morts, mais l’ensemble reste remarquablement frais et divertissant malgré ses plus de 50 ans. Peut-être le projet le plus drôle de Brooks, il se classe parmi les meilleurs westerns comiques jamais réalisés.
1975 — « Mâchoires »
“Tu vas avoir besoin d’un plus gros bateau.” Il y a l’été avant Mâchoireset l’été après Mâchoires. SpielbergLe chef-d’œuvre de la terreur océanique a créé le blockbuster moderne tel que nous le connaissons. Plus impressionnant encore, le film fonctionne toujours à chaque fois, peut-être encore mieux quand on sait que le requin apparaîtra à peine. L’anticipation devient le monstre, le suspense devient l’hameçon. Néanmoins, ce qui rend Jaws indéfiniment revu, ce n’est pas la tension mais le trio à bord de l’Orca.
Roy Scheider, Richard Dreyfusset Robert Shaw sentez-vous comme de vraies personnes, pas seulement comme des appareils à déplacer. Ils se chamaillent, rient et révèlent des cicatrices émotionnelles et littérales, formant l’une des dynamiques de personnages les plus satisfaisantes du cinéma. Nous soins à leur sujet, ce qui manque souvent aux thrillers et films d’horreur contemporains. En tout, Mâchoires est l’un des films les plus emblématiques de son époque, le thème musical à deux notes de John Williams étant désormais pratiquement synonyme de suspense cinématographique.
1976 — « Rocheux »
“Hé, Adrien !” Les innombrables suites offriraient des rendements décroissants, mais la première Rocheux le film frappe fort. Il se démarque de la plupart des films sportifs car Sylvestre Stallone imprègne l’histoire des outsiders de vulnérabilité au lieu de fanfaronnade. Rocky Balboa ne veut pas de gloire. Il veut de la dignité, une chance de se prouver qu’il n’est personne. Cette pureté, cette humble faim le rendent convaincant. Cela vous donne envie de le soutenir.
Avec un protagoniste convaincant en son sein, Rocheux beaucoup de narration de bravoure et de direction cinétique. Les montages d’entraînement sont toujours épiques (malgré le fromage), l’histoire d’amour est toujours résolument agréable et le combat final se termine toujours coup sur coup émotionnel, même si l’on sait que Rocky ne gagne pas au sens traditionnel du terme. Ce n’est pas pour rien que Rocky a été le film le plus réussi de cette année-là, dominant le box-office et repartant avec l’Oscar du meilleur film.
1977 – “Guerres des étoiles”
“Que la Force soit avec toi.” Guerres des étoiles est arrivé comme un éclair en 1977, changeant à jamais la science-fiction cinématographique. George Lucas a mélangé le cinéma samouraï, les séries Flash Gordon, les westerns et le mythe de Joseph Campbell pour créer un monde à la fois ancien et futuriste. Harrison Ford, Marc Hamillet Carrie Fisher étincelle avec une force juvénile, et la partition de John Williams est colorée et lyrique. A New Hope était radicalement différent de tout ce que le public avait vu jusque-là, débordant de créativité, de personnages hauts en couleur et de pure histoire.
Bien sûr, Annie Hall je l’ai battu aux Oscars, mais Guerres des étoiles allait façonner la culture pop pendant plus d’un demi-siècle, engendrant des suites et des retombées, des émissions d’animation, des gammes de jouets, des produits dérivés, des jeux vidéo et du cosplay. Tout commence ici, avec un garçon de ferme regardant des soleils jumeaux et rêvant plus grand que son horizon ne le lui permet.
1978 — « Maison des animaux »
“C’était fini quand les Allemands ont bombardé Pearl Harbor ?!” Avec Maison des animaux, John Landis et co. a livré le roi des comédies universitaires. La brillance bâclée du film réside dans son engagement à commettre des méfaits sans excuses. Il n’essaie pas de moraliser, de se peaufiner ou de s’inscrire dans une lignée comique existante. Au lieu de cela, c’est chaotique, tapageur et merveilleusement peu sérieux, ouvrant sa propre voie tumultueuse. John Belushi charge à travers des scènes comme un ouragan comique, nous frappant avec des répliques ridicules et de nombreux gags dégoûtants. La venue ici est tout simplement impeccable dans tous les domaines.
Il y a quelque chose d’intemporel dans ce genre de chaos joyeux. Animal House vit des traditions de dortoir, des rituels de fête et des générations de citations criées dans les quartiers universitaires. Sans oublier que le film reflète en fait certaines réalités de ses moments. C’est un instantané fascinant de la génération qui a atteint sa majorité à la fin des années 60.
1979 — « Alien »
« Éloigne-toi d’elle, salope ! Le succès de Guerres des étoiles a lancé un boom de la science-fiction à la fin des années 90, avec de nombreux contes de l’ère spatiale diffusés sur les multiplexes. Le meilleur d’entre eux est de loin Étranger. Ridley ScottLe refroidisseur de vaisseau spatial hanté de se déroule avec une tension atroce. L’œil du cyclone est Ellen Ripley (Sigourney Weaver), qui reste l’une des plus grandes protagonistes du cinéma : dure, débrouillarde, peu disposée à se briser alors que l’univers devient prédateur autour d’elle. Le film est tout simplement génial, car il s’appuie sur des effets pratiques comme le maquillage et les costumes plutôt que sur CGI.
Les principes fondamentaux de sa conception de production ont été imaginés par un génie fou RH Giger. Sa conception pour le xénomorphe est effrayante et unique, un mélange frappant de reptilien, d’insectoïde et de biomécanique. Le cycle de vie, l’éclatement de la poitrine, le long crâne, le sang acide, la bouche sur la langue : tout cela constitue peut-être le plus grand monstre de cinéma de tous les temps, et un film qui divertit toujours au deuxième, dixième ou centième visionnage.
Étranger
- Date de sortie
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22 juin 1979
- Durée d’exécution
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117 minutes
- Écrivains
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Dan O’Bannon, Ronald Shusett
